石煜：绘画与音乐
《中国艺术文化》第二十八期封面
绘画与音乐
绘画与音乐，一个视觉，一个听觉；一个静止不变，一个随时间流动。也不尽然：音乐有静止的时候，那是乐谱。绘画有流动的时候，那是绘画的过程。说绘画与音乐都有旋律感、节奏感，一个靠形色，一个靠音律，但都是由动作完成的。
《SONATA-01》
石煜把画架搬到了音乐演奏的现场，听其声，画其形，感受那时而舒缓时而澎湃的气氛，用笔和颜料呈现于一幅幅画面之中。绘画的结果是静止的，安静的环境和不动的形象最适合现场写生。石煜是反其道而行之，把音乐的声音与对象的动作纳入于自己的绘画来源之中。他对于现场的音乐只是有感而发地融入画面，并非是两相照应，视觉化地解释那些曲目。一幅幅现场的写生，离开了音乐，自成独立的绘画作品。每一个个人的感受都是多方位的、多渠道的，自在人心。诸多的具体性导致了感受无法用单一的表达方式来传达。感受是不可能复制的，任何表达的企图都会受到表达方式的制约。音乐和绘画都是单一的方式，所以从表达的角度来说，不如综合艺术那样容易让人接受，如电影、多媒体和表演。
《颤音01》
绘画和音乐是人类在只掌握有限手段的条件下所创造的艺术形式，随科技的发展，启迪了后来的诸多艺术形式的产生，这是古老的艺术形式所以伟大的原因之一。承前启后，不等于自身就此消亡，其作用于单一感官的方式，更便于人的思考，让人在纷繁复杂的环境中归于精神的单纯。反过来想，单一的艺术形式有其单一的好处，提问和回答都可以由有限的个人来完成，个人也可以在作品的完成中完善自己。对生活的感受可以导致认识，艺术实践同样也可以导致认识，只是这个认识大概是更宏观、更总括、更能离开利益的狭隘。绘画与音乐的生命力，是在有限的手段中不断地拓展自己，由有限去求无限。因为人心的宽阔，才可以在有限中得到无限。
《重奏01》
这是我的一点体会。
画家石煜和德国音乐家合作的这个展览，形式是新的。一动一静，却也需要观众静心去体会的。即便是各自体会不同，只要有，就是展览的成功。
祝展览成功！
马路
2015年11月19日
《松阳古镇》
石煜的写生
陈丹青先生在《从写生寻获绘画的谦逊》一文中曾提到：“写生是一种立场和本分，是对绘画传统之所以是传统的清晰确认，有如信仰”。这句话用来形容石煜的创作状态再恰当不过了，他从未放弃过写生——这个在当下主流艺术中，被边缘化，甚至过时的艺术表达。对于石煜来说，写生不仅是一种观察世界的方式，更是一种坚守。
《两条船》
石煜是一个在北京长大的艺术家，他简单淳厚，不拘小节中却又带着一种不易觉察的敏感。姑且不说，“无名画会”（家庭环境）和“学院体制”（工作环境）这种双重矛盾没有对他造成多大影响，自甘成为边缘的他，始终保持着一种自我对于艺术精神的独立，这种专一的气质来源于他的绘画实践，来源于临场写生带给他的愉悦和自尊。他一直在做的一件事就是，重建绘画于人、场所、时间、空间的联系。于是，儿时的胡同、街道、公交站、乡村、海滩、印度僧侣、一个接一个的都市夜景、一次又一次的出走他乡，直到本次展览的德国小提琴演奏家，都出现在他的画笔下。
《山西街道》
从一开始绘画，石煜就善于用临场写生的方式，将他的日常见闻和感受用速写和再创作的形式记录下来，他的作品总是呈现出一种未终结的状态，在他看来，并不是那么“准确”的笔触和色彩关系反而更接近他的内心。艺术家很忌讳做太“完美”的作品——这或许是石煜真正想要的。
《66号公路-盖斯城》
2015年夏天，石煜来到了德国南部小镇哈默尔堡，在这次旅行中他邂逅了德国著名小提琴演奏家AdamKostecki先生。伴随着石煜的创作，他演奏了一曲意大利著名小提琴家居塞比·塔蒂尼的《魔鬼的颤音》。音乐的节奏感与绘画的线条不谋而合，色彩突然具备了音符的特征。他们的初次相识，就像一对久违的老朋友，在不期而遇中，迸发出了智慧的火花。
《颤音03》
从古到今，从西方到东方，音乐与绘画的相互影响，毋庸赘言。石煜这次以音乐为背景创作的作品更显现出一种强烈的个人特质。他对色彩的把控极为敏锐，这一点构成了他作品的真情实感。对于他来说，这不是关于画什么和怎么画的问题。我们可以在他的画面中感受到——当音乐响起时，琴弦的速率和身心所迸发出的激情。他颜料的反复叠加和涂抹，肆意的破坏和重组，浓稠凝固的笔触，构成了富有感染力的乐章。这种“不准确”的笔触表现出了慑人心魄的颜色关系和音乐律动。不同基调的蓝色、黄色让画面充满了戏剧性，就像小提琴演奏家在《魔鬼的颤音》中所表现的，用灵魂与魔鬼交换琴技的狡黠，音符和色彩在这里自然而然地走在了一起。
《SONATA-07》
石煜说过他想画出的是“色彩的味道”，这个状态的描述在他印度写生的对话中被提及，他觉得写生的作品不光是与描绘的对象本身有关，更是要用色彩表达出精神的感受，即所谓的“移情”。他提出了“品色”的概念，那是宗教性的颜色，神性的和自我的真实感受，从这个表述中，就不难对应到他对“不可见”却又深刻作用于现实环境的敏感之处。所以说，石煜对日常景观的关注，对颜色的随心所欲，这些心头所好，其实可以慢慢成为他的信仰，成为宗教，成为他独有的思维和表述方式。
高毅
2015年11月
《恒河子民04》
画布上的小说
看了石煜的作品还是很震撼的，他画的比较结实、抢眼。之前石煜做过一个展览是和印度宗教对话，这次主要是和音乐的对话，想到用绘画来表现音乐还是有点难度。以前像康定斯基之类的艺术家主要是通过形状和色彩跟音乐来产生一种关联，赋予形状和色彩与音乐相通的意义。
《重奏10》
在这样一个信息社会里面，对于艺术作品来说需要的是马上跳出来。而石煜的作品却把细节把玩的非常好，可以让观众慢慢品读。他的作品表面上是单纯的颜色与形状的组合，但实际上是一本可阅读的小说，只有你慢慢品读完了，作品中跌宕起伏的情节和性格丰富的人物才会得到了解。
《颤音13》
我曾看过一个即兴舞蹈，感受过谭盾先生的现场指挥。感觉音乐通过身体的肢体语言进行再现是比较直接的，因为舞蹈和指挥的身体语言是直观的。而石煜作为一个画家，运用绘画的方式对音乐进行表现是间接的，难度是非常大的。但是石煜利用绘画中自己的旋律和节奏与音乐创作出来的旋律和节奏——即绘画，依托一个具体的形象，实际上运用的都是一些抽象的方式；而另一个是纯抽象的思维——音乐，创造出具象的想象画面，把他们揉和到一起进行对话，从而使整个展览变成了一种类似中国传统式的琴箫和鸣，互诉着绘画与音乐各自的衷肠。
《颤音23》
就如同这次展览的主题“对画”，它意味着这不仅仅是个展览，更是一种新的艺术表现形式或者说艺术追求。
彭锋
2015年12月14日于桥艺术空间
《重奏12》
范迪安谈《对/画 石煜作品展》观感
今天我和所有参加石煜新作展的朋友一样心情非常愉快，我们说艺术有各种作用，但是艺术的首要作用就是让人们进入到审美的空间和环境当中，从而能够感受到艺术创造的乐趣和表现语言的魅力。
《颤音15》
这个展览可以说是一个别开生面的展览：石煜和德国的小提琴家亚当先生形成了默契的合作。这可以说是一个非常有意思的构想，更是一种特别难得的经历。石煜刚才告诉我，他是利用了一段课余时间，在德国亚当先生的音乐课上和他一起对话，既是对音乐的体验、理解，更感受了亚当教授在教学中的许多现场感。
《重奏02》
在这个展览中，不管是大画还是小画，我觉得都体现了两个非常鲜明的特点：一是记录了现场的感受，现场感十分浓郁，有一种生机感。艺术能够感动人首先是真切的投入和真诚的表达，真实的挥洒，所以石煜的作品很好的记录了他在亚当音乐课上的感受。第二个特点是石煜这批画很好的发挥了他的优长。他现在的艺术处在一个很好的发展期和成熟期——既注重自我心理的真诚表达，也注重艺术语言的精炼，所以他的作品在表现性语言上面可以说达到了一个新的高度。从画面的组织、色彩的捕捉，特别是通过写意似的用笔淋漓尽致地再现了一种场面和气氛，我觉得这个系列作品对石煜来说是一个新的高度。所以这样一个展览，这样一种体验方式能给我们带来一种喜悦。
《颤音10》
在欧洲绘画史上，音乐一直是一个常见的主题，这说明作为造型艺术的美术和作为韵律艺术的音乐本来就是相通的。马路先生在画册上写了一篇很好的前言，说到一动一静相互形成了一种呼应。所以这个展览的题目“对画”也刚好构成了我们对音乐的更好的体验。刚才现场亚当先生做了两段精彩的演奏，他琴弦上的音符打动了我们的听觉，石煜画面上的节奏冲击了我们的视觉感受，两者交织在一起，形成了一种多维的视听盛宴。
2015年12月5日
石煜
石煜简历
1989-1993 中央美术学院附属中学就读高中
1993-1997 中央美术学院油画系就读大学本科，获学士学位
2005-2008 中央美术学院油画系就读高校教师在职研究生，获硕士学位
2002至今 中央美术学院油画系任教
展览
2015
作品《恒河神祭》入选中国美术家协会《中国精神第四届中国油画展》
中国美术馆《接力-中央美术学院教师创作展》
上海中华艺术宫《历史的温度——中央美院与中国具象油画》
2014
北京798桥艺术空间《出走——石煜、刘商英油画展》
山东美术馆《沃土中原-吾土吾民油画邀请展》
作品《灶台》入选展览
中国美术馆第十二届全国美术作品展 《筑路远征军》为进京作品
2013
北京今日美术馆《中央美术学院教师十人展》
北京中间美术馆《各色——石煜2013作品展》
中国美术馆《再写生·共写意——中国油画名家写生研究展》
美国纽约艺术学院《来自北京——中央美术学院油画系教师作品展》
2011
北京798百雅轩画廊《学院8人展》
中国美术馆《全国第四届青年美术作品展》 作品
《东玉河》入选展
